LUZ INSTANTE

06.26.2021 – 09.19.2021

ESPACIO ABIERTO

JULIA CARRILLO. LUZ INSTANTE

06.26.2021 – 09.19.2021

Luz instante es un recorrido a través de una serie de artefactos ópticos que crean un continuo sensorial. Cada pieza vincula luz, espacio y tiempo, a la vez que nos anima a experimentar con nuestros cuerpos. Es una invitación a que cada participante se adueñe y habite las obras desde un lugar propio. El visitante creará espacio y activará de inmediato las obras, porque cuando entramos a un espacio el espacio entra en nosotros y la experiencia se convierte en un intercambio, en una fusión entre sujeto y objeto, el aquí y ahora lumínico constituido por los encuentros espaciales.

Este recorrido a través de la luz inicia con una obra en exterior cuyas proyecciones se activan con la luz solar, de manera que sus efectos son temporales, intermitentes, aleatorios. El trayecto cambia de sentido hacia el interior de la sala, aparece una luz controlada que deviene elemento sustancial de los artefactos ópticos. Los artefactos surgen de fenómenos que ocurren en la naturaleza, de situaciones cotidianas que sí alcanzamos a ver pero no siempre a observar. En la sala, estos artefactos se convierten en extensiones protésicas del cuerpo humano y nos llevan a dimensionar espacios que parecieran inusitados, pero que ahí están, en nuestro día a día. Son dispositivos que fusionan el objeto con el sujeto, la materialidad de las superficies especulares con la introspección, con impresiones emotivas y, también, con la curiosidad. Los artefactos se transforman durante el recorrido, acotan la interacción o la abren hasta contenernos, dosifican la implicación sensorial, primero el ojo y luego el cuerpo, como si fuéramos activando progresivamente nuestras capacidades perceptivas.

De sus experimentos con el espacio surgen las esculturas virtuales, figuraciones geométricas e ilusoriamente tridimensionales que se descubren en el interior de sus caleidoscopios. ‘Esculturas de luz’ les llama Julia, porque la luz es justamente la materia de estas piezas. Las obras de esta muestra juegan con la percepción del espectador dentro de diferentes espacios, provocando situaciones de inmersión que lo llevan a un momento único de descubrimiento.

Con la exposición Luz instante Julia Carrillo traslada una parte de su laboratorio de experimentación en el que ha trabajado desde hace varios años a Espacio Arte Abierto. Luz instante es el resultado de sus estudios sobre la luz, sobre cómo crea espacio, cómo nos deja percibir lo que habitamos y, a su vez, cómo nos permite reconocer momentos o distinguir ciertas atmósferas.

PARA EVITAR FILAS, ADQUIERE TU ENTRADA EN: registroarteabierto.org

< Arte Abierto > presenta Julia Carrillo, Luz instante la cual se encontrará en exhibición y abierta al público en Espacio Arte Abierto en el piso 2 del complejo arquitectónico de ARTZ Pedregal del 26 de junio al 19 de septiembre, 2021.

JULIA CARRILLO

Julia Carrillo (México, 1987) estudió Matemáticas en la Universidad Nacional Autónoma de México y cursó una Maestría en Artes Visuales en la Academia de San Carlos, posteriormente realizó estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York (SVA). Relaciona su práctica artística con nociones derivadas de las matemáticas y la física para construir un acercamiento a los fenómenos naturales, como la transformación del espacio, los movimientos de la luz, los viajes del sonido y la dinámica de las fuerzas fluidas.

Entre sus exposiciones individuales se encuentran La luce e la sua assenza en A Pick Gallery (Italia, 2021); Estrofas de agua en Centro Cultural Bucareli 69 (México, 2019) y Geometrías de la Luz en el Centro de Ciencias de la Complejidad (C3), UNAM (México, 2017). También ha participado en muestras colectivas en México y en el extranjero. Es beneficiaria del del programa Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) y del Programa ACT (Arte, Ciencia y Tecnología) de la Secretaría de Cultura / UNAM, por mencionar algunos. Ha participado como artista invitada en la residencia del Programa de Residencias Artísticas Laboratorio Arte A. C. del Tecnológico de Monterrey, México (2020); MMCA Programa de residencia internacional para artistas del Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo, Seúl, Corea (2019) y Flux Factory de Nueva York, EUA, (2014) entre otros. Recientemente fue artista seleccionada para la residencia Art OMI (2020, ahora programada para 2022).

Actualmente es investigadora del C3 (Centro de Ciencias de la Complejidad, UNAM).

Para conocer más sobre el trabajo de Julia Carrillo visita juliacarrillo.mx/

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FURIA Y POESÍA

10 AÑOS — ATELIER ROMO

13.MARZO — 13.JUNIO — 2021

FURIA Y POESÍA

10 AÑOS — ATELIER ROMO

PARA GARANTIZAR TU ACCESO, ADQUIERE TU ENTRADA EN LÍNEA: registroarteabierto.org

El modelo de trabajo de < Arte Abierto > se basa en la colaboración con artistas y expertos invitados, qué en sus estrategias y conceptos de producción artística, se alinean a los valores y objetivos institucionales con proyectos específicos de arte contemporáneo.

Desde el 2019 hemos trabajando con Sebastián Romo, fundador y creador de Atelier Romo, el resultado de esta significativa colaboración se nombra Atelier Abierto, que por sus líneas de trabajo pedagógicas y de orden participativo, es uno de los componentes conceptuales más importantes de nuestra Fundación.

A través de este programa desarrollaremos estrategias y actividades educativas únicas para el acercamiento directo con nuestros públicos.

Para instaurar este espacio físico, dedicado a nuestros públicos, Arte Abierto se enorgullece en presentar la exhibición Furia y Poesía. 10 años de Atelier Romo. Con ella reconocemos y celebramos esta metodología educativa, integral y multidisciplinaria, que se rige bajo el concepto de educación profunda, entendida como todo conocimiento que nos acompaña y mejora nuestra vida cotidiana.

Trabajar en un espacio ubicado en ARTZ Pedregal, nos da la oportunidad de romper con los circuitos habituales del arte contemporáneo y construir nuevos públicos y participantes desde el arte.

< Arte Abierto > presenta la exposición Furia y Poesía. 10 años de Atelier Romo, la cual se encontrará en exhibición y abierta al del 13 de marzo al 13 de junio del 2021 de 12:00 a 5:00 PM en el espacio Atelier Abierto, ubicado en la PB de ARTZ Pedregal, en Periférico Sur 3720, Jardines del Pedregal, Álvaro Obregón en la Ciudad de México.

Crecí en una primaria maravillosa. Había una cooperativa para aprehender matemáticas con la que se financiaban los campamentos, que se transformaban en aulas móviles. En los talleres de la escuela lo mismo se construían los juegos del patio (Que todavía existen), se horneaba pan, o se tejía a gancho. Por supuesto el taller de carpintería era uno de mis favoritos. Tomábamos clases en algunos espacios vecinos, que suponían un par de caminatas semanales las cuales eran una aventura. Gozábamos de una gran libertad bien contenida. Dejar la escuela Herminio Almendros, supuso un periplo adolescente por instituciones donde sentía que no se aprehendía nada. Mi interés por el arte parecía no tener eco.

Tuve la suerte de tener magníficos MAESTROS, personas solidarias y comprometidas. Posteriormente, al dar clases entendí y vi el ansia, el desespero de algunos chicos luchando en la universidad por querer materializar sus sueños.

El Atelier se fundó desde la necesidad que tenía un pequeño grupo de universitarios. Ellos fueron quienes dieron la primera estructura, sabían que era lo que querían hacer y como hacerlo.

Después de diez años de trabajo continuo encontramos una metodología propia, no de importación, construida desde los integrantes de Atelier y complementada por un maravilloso grupo de personas expertas en diferentes disciplinas que generosamente han compartido su conocimientos y experiencia.

Atelier Romo es un espacio donde se prioriza el hacer sobre la retórica, el roce entre disciplinas, el intercambio de ideas y puntos de vista, la curiosidad y la experimentación, la autoestima el empoderamiento y la autonomía.

Pasamos de ser cofradía, para convertirnos en educación alternativa, después “Academia de pensamiento visual” y ahora queremos ahondar en la idea de educación profunda, en nuestros propios términos.

Quiero dar las gracias a mis alumnos por ser mis maestros y a mis maestros por compartir su vida.

Sebastián Romo

Diciembre de 2020.

ATELIER ROMO

Desde hace diez años Atelier Romo ha desarrollado una metodología educativa, integral y multidisciplinaria basada en las artes. Actualmente, el eje rector está focalizado en la educación profunda entendida como todo conocimiento que nos acompaña y mejora nuestra vida cotidiana.

La metodología consiste en integrar el cuerpo, el pensamiento, la cultura y el arte desde la práctica constante y disciplinada, en un ambiente de trabajo relajado que cuenta con todos los requerimientos para aprehender y crear sin limitaciones.

Tiene como líneas de trabajo el pensamiento visual y el dibujo; los principios básicos para la construcción suave, entre ellos la costura, la electricidad y la creación de maquetas; y el desarrollo de un proyecto final que tiene como salidas una exposición y una publicación editorial.

Atelier Romo ha tenido diversas colaboraciones con instituciones como el Museo Tamayo, la Fundación Alumnos 47, la Colección Jumex, diversas universidades y centros de arte en el interior del país, y en el extranjero con el Fashion Institute of Technology de Nueva York. También, fue invitado a desarrollar un proyecto especial para la XII Bienal FEMSA.

Además de las cinco monografías impresas que ha compilado a lo largo de su historia, ha presentado múltiples proyectos expositivos y cinematográficos en espacios como Casa Vecina, el Museo Tamayo, la Sala de Arte Público Siqueiros, La Tallera, el Centro de Artes Visuales de Mérida y el Instituto Cervantes de Nueva York, entre otros.

Atelier Romo tiene un especial énfasis en la comunidad preuniversitaria, con la intención de prepararlos para saber vivir mejor y poder responder con eficiencia al momento histórico que habitan.

@atelier.romo

@atelier_romo

SEBASTIÁN ROMO

Sebastián Romo (Ciudad de México, 1973)
 realizó estudios de fotografía, cine documental y Artes Visuales en la Universidad Nacional Autónoma de México.

Ha participado en varias exposiciones individuales y colectivas a nivel nacional e internacional.

El trabajo de Sebastián forma parte de diversas colecciones privadas en Alemania, Brasil y Estados Unidos. En México destacan: La Colección Jumex, el Museo de Arte Moderno, el Museo Carrillo Gil, por mencionar algunas.

Sebastián Romo, es fundador del Atelier Romo, plataforma educativa multidisciplinaria, para alumnos de alto rendimiento, la cual implementa estrategias del arte contemporáneo para atender problemas de la actualidad. La academia de pensamiento visual y la implementación de educación profunda son algunos de los proyectos que se realizan actualmente.

@sebastianromoart

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RAFAEL LOZANO-HEMMER

08.29.2020 – 01.24.2021

Rafael Lozano-Hemmer nace en la Ciudad de México en 1967, fue el primer artista en representar oficialmente a México en la 52ª Bienal de Venecia con Algunas cosas pasan más veces que todo el tiempo. Latidos es su tercera exposición monográfica en la Ciudad de México.

Lozano-Hemmer desarrolla instalaciones interactivas que se encuentran en la intersección de la arquitectura y el performance. Su principal interés es crear plataformas para la participación pública, utilizando a la tecnología como un lenguaje de nuestro tiempo, como un vehículo inevitable pero cuestionable.

Sus instalaciones interactivas a gran escala han sido encargadas para eventos como las Celebraciones del Milenio en la Ciudad de México (1999), la Capital Europea de la Cultura en Rotterdam (2001), la Cumbre Mundial de Ciudades de la ONU en Lyon (2003), la apertura del YCAM Center en Japón (2003), el memorial de la Masacre de Estudiantes de Tlatelolco en la Ciudad de México (2008), los Juegos Olímpicos de Invierno en Vancouver (2010) y la exposición previa a la apertura de el Guggenheim en Abu Dhabi (2015). Ha tenido exposiciones individuales en el Museo de Arte Moderno de San Francisco, el Museo MUAC en la Ciudad de México y el Museo de Arte Contemporáneo en Sydney entre otros. También ha participado en distintas Bienales y Trienales de arte como la de La Habana, Estambul, Kochi, Liverpool, Montreal, Moscú, Nueva Orleans, Sevilla, Seúl, Shanghái, Singapur y Sydney. Su obra forma parte de las colecciones de más importancia a nivel internacional incluyendo MoMA (Nueva York), Tate (Londres), AGO (Toronto), Jumex (CDMX), DAROS (Zurich), Borusan Contemporary (Estambul), MUAC (CDMX), Museo de Arte Contemporáneo 21C (Kanazawa), MAC (Montreal) y el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (Washington, DC), por mencionar algunas.

Ha sido reconocido con dos Premios de la Academia Británica BAFTA de Arte Interactivo, un Golden Nica en Prix Ars Electronica, un Premio Bauhaus Internacional, el título de Compañero de la Orden de las Artes y las Letras de Québec, entre otros. Ha dado conferencias en varias instituciones como Princeton, Harvard, UC Berkeley, MIT MediaLab, el Museo Guggenheim, LA MOCA, el Instituto de Arquitectura de los Países Bajos, Cornell y el Instituto de Arte de Chicago.

Hoy en día radica en Montreal, Canadá donde tiene su estudio.

Para conocer más sobre el trabajo de Rafael Lozano-Hemmer visita www.lozano-hemmer.com/

RAFAEL LOZANO-HEMMER. LATIDOS

PARA GARANTIZAR TU ACCESO, ADQUIERE TU ENTRADA EN LÍNEA: registroarteabierto.org

VISITA LATIDOS GUIADO POR RAFAEL LOZANO-HEMMER (video)

Latidos es la tercera exposición monográfica sobre la obra biométrica del artista mexicano Rafael Lozano-Hemmer (después de Beall Center de Los Ángeles en 2010 y Hirshhorn Museum de Washington DC en 2018).

Incorporando cuatro instalaciones que utilizan sensores de frecuencia cardiaca para impulsar respuestas cinéticas y audiovisuales, la exposición subvierte las tecnologías de identificación y determinación para crear experiencias conectivas en una escala arquitectónica. En Latidos, los signos vitales del público se toman y se registran como secuencias repetitivas que se visualizan como luces intermitentes, paisajes sonoros panorámicos, ondas en tanques, retroalimentación háptica y huellas digitales animadas.

En el núcleo de cada obra, un sensor detecta la firma biométrica de cada participante. Este “retrato” o “instantánea” de la actividad eléctrica íntima del visitante luego se agrega a un archivo en vivo con otras grabaciones, creando un paisaje de audiovisuales sincopados que representan un vasto grupo de participantes, entregando los datos del individuo a un campo de lecturas colectivas. La aparición de patrones complejos no lineales de sincopación, sincronicidad y resonancia es evidente en todos los proyectos, y recuerda la música minimalista de Conlon Nancarrow, Glenn Branca o Steve Reich, por ejemplo, donde los patrones repetitivos ligeramente desfasados entre sí crean un fenómeno auditivo más complejo.

La nueva instalación de telepresencia Corazonadas Remotas, encargada por , no registra los latidos del corazón, sino que los transmite a través de la red entre dos estaciones interactivas idénticas donde un participante puede sentir el latido del otro, y viceversa.

Originalmente esta pieza se presentó como parte de la instalación de Lozano-Hemmer Sintonizador Fronterizorealizada en la frontera de Estados Unidos y México, con una estación en Ciudad Juárez, Chihuahua y la otra en El Paso, Texas. Para esta exposición, inicialmente se interconectan estaciones entre y el Museo Amparo de Puebla. Ahora se encuentran ambas estaciones en el complejo arquitectónico ARTZ Pedregal.

< Arte Abierto > presenta Rafael Lozano-Hemmer. Latidos, la cual se encontrará en exhibición y abierta al público en Espacio Arte Abierto en el piso 2 del complejo arquitectónico de ARTZ Pedregal.

Siguiendo las recomendaciones del Gobierno de la Ciudad de México hemos tomado la determinación de cerrar la exposición Latidos de Rafael Lozano-Hemmer ubicada en Espacio Arte Abierto a partir del 19 de diciembre y hasta nuevo aviso. Todos contamos con la responsabilidad social de anteponer la salud de nuestra comunidad sobre cualquier otro fin.

Entra aquí si deseas saber más sobre los nuevos protocolos sanitarios que hemos implementado para garantizar una experiencia sensorial segura.

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MNEMOSYNE

29.11.2019 – 29.03.2020

Paolo Montiel Coppa nace en la Ciudad de Cuernavaca, México en 1977. Su interés en la luz, en las ciencias de la tierra y la astronomía lo llevan a estudiar Física en la UAEM (Universidad Autónoma del Estado de Morelos). Posteriormente realiza estudios en Teoría del Arte en el Centro Morelense de las Artes e Historia del Arte en La Salle.

Músico autodidacta que fusiona diferentes géneros musicales, como es el jazz, rock y música africana. Su inquietud por el estudio de la música lo dirigen a la ingeniería de audio en Opus 440, donde realizó sonido directo y score musical para cortometrajes de cine.

Su investigación está enfocada al estudio y propiedades del color y como estos son percibidos por el cuerpo humano, así como su reflejo en la memoria a través de la luz.

Montiel Coppa es co-fundador del centro de artes interdisciplinario Alberca Artes y del estudio Vistlán Multimedia. Es aquí donde empieza a incorporar sus primeros sistemas de iluminación digital para proyectos de arte y arquitectura. Posteriomente se muda a la Ciudad de México para trabajar de tiempo completo en proyectos de iluminación digital en México y Latino América (Chile, Colombia, Perú, República Dominicana y Venezuela)

Es colaborador en Cocolab en el desarrollo de instalaciones lumínicas en proyectos permanentes de culturetaintment y espectáculos entre los que se destaca el diseño de iluminación del Pabellón de México en la Expo Milán 2015, así como el de Noches de Kukulkán en las pirámides de Chichén Itzá en la península de Yucatán y las instalaciones lumínicas White Canvas, Cycles y Outside, esta última presentada en el festival Day for Night en Houston, Texas.

Es diseñador senior de iluminación en Nerd Light & Media en donde ha trabajado como art-handler especializado en sistemas de iluminación digital para aplicaciones permanentes en arte y arquitectura trabajando en la dirección técnica con artistas como Kurt Hentschlager con ZEE que se mostró en el Laboratorio de Arte Alameda durante Ars Electrónica edición México 2010, AntiVJ durante el festival Proyecta Oaxaca con la instalación The Ark y James Turrell en la dirección luminotécnica y de control de diferentes proyectos permanentes en México entre los que cabe destacar Pasajes de Luz (2019) en el Museo Jumex de la CDMX, Encounter (2015) de la serie Skyspaces para el Jardín Botánico de Culiacán, Sinaloa, Agua de Luz (2012) en la selva de Yucatán, Árbol de Luz (2011) Hacienda San Pedro Ochil, Yucatán.

También es miembro del colectivo de artistas y technologists Mayan Warrior, con quienes ha realizado diversos proyectos de arte y música en Burning Man en Black Rock, Nevada. Ha sido comisionado en diferentes festivales de música diseñando instalaciones lumínicas como en MUTEK, Ondalinda x Careyes y BLACK by Matte Projects en Nueva York.

Su experiencia como programador y diseñador de iluminación lo ha llevado hoy en día a su creación artística la cual se concentra en instalaciones de arte lumínico cinético in situ.

Actualmente vive en la Ciudad de México donde tiene su estudio y sala de exposición de light art.

Para conocer más sobre el trabajo de Paolo Montiel Coppa aka TANSEN visita www.paolomontiel.com

MNEMOSYNE

Mnemosyne es una instalación de gran escala con posibilidades de acceder a su interior para apreciar juegos visuales y sonoros. Es un caleidoscopio gigante transitable que ofrece al público una experiencia inmersiva generada por uno de los principios más sencillos de la óptica: la reflexión de la luz.

Esta instalación formada a base de estructuras de acero inoxidable acabado espejo con iluminación LED, acompañado de un sistema de audio y video-proyección forman un caleidoscopio triangular de 15m de largo por 4m de alto.

Al caminar en su interior estos reflejos infinitos de luz descubren miles de formas geométricas combinadas con colores cambiantes que se mezclan dando la impresión de flotar en el espacio. Los contenidos visuales, van cambiando acompañados de música, luz y sound design.

Mediante esta instalación, Paolo Montiel Coppa, quiere crear un espacio físico alimentado con juegos de luz que permitan activar la memoria del público visitante para conectar con su creatividad y poder evocar diferentes emociones que guien su atención hacia un momento contemplativo-emocional-meditativo.

< Arte Abierto > presenta por primera vez la instalación lumínica Mnemosyne del artista mexicano Paolo Montiel Coppa, la cual se encontrará en exhibición y abierta al público en la planta baja del complejo arquitectónico de Artz Pedregal del 29 de noviembre, 2019 al 29 de marzo, 2020.

Mnemosyne está fabricado por Metalglez.

HORARIOS:MARTES A JUEVES DE 13:00 A 20:00 HRS. VIERNES A DOMINGO DE 11:00 A 20:30 HRS. LUNES PERMANECERÁ CERRADO.

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ILLEGAL ART

09.14.2019 – 11.30.2019

Illegal Art, fundada en el 2001 en la ciudad de Nueva York por los artistas Otis Kriegel y Michael McDevitt. El objetivo de este colectivo es crear arte público participativo que inspire la autorreflexión, el pensamiento y la conexión humana. Cada pieza se presenta o distribuye en un método en el que la participación es simple y alentada. Sus proyectos se han instalado en todo Estados Unidos, Sudamérica, Europa, Asia y Medio Oriente.

En noviembre de 2018, el cofundador Otis Kriegel habló sobre el trabajo de Illegal Art en el TEDx Manhattan Beach. Su trabajo ha sido publicado en numerosos catálogos en todo Estados Unidos y Europa.

En septiembre 2019 será la primera vez que Otis Kriegel y Michael McDevitt, fundadores de Illegal Art, presenten sus proyectos en la Ciudad de México:

• Last Word

• Suggestion Box

• What Color Are You?

• Measure Up (Instalación comisionada para < Arte Abierto >)

Las 4 piezas de arte público estarán dentro de las instalaciones de Artz Pedregal. Cada una de ellas busca la participación del público como una experiencia con efecto creativo-colectivo.

Para obtener más información, visita www.illegalart.org o en Instagram en @ illegalart2001.

THE LAST WORD

Siempre hay cosas que no se dicen, que nos guardamos y permanecen en nuestro interior. El final perfecto para una conversación con un desconocido, o aquellas oportunidades perdidas para decir la última palabra.

¿Qué desearías haber dicho? Ahora es el momento de expresarlo.

The Last Word, brinda un momento íntimo para recuperar lo que nunca se dijo.

Cientos de papeles enrollados, teñidos de rojo en un extremo y en blanco por el otro, se colocan con el lado blanco dentro de los orificios de una especie de nido de abeja contenidos en una pared.

Los participantes retiran uno de los pedazos de papel, escriben su «última palabra» y luego lo dejan expuesto para ser visto. El público puede interiorizar en sus pensamientos y plasmarlos en un papel, expresando su sentir y con ello acceder al repertorio de ideas y reflexiones que otros dejaron.

Todos son libres de formar parte o limitarse únicamente a leer los pensamientos de los demás, de compartir, de escribir, de hacer reflexiones en colectivo. Las palabras respetan la individualidad pero revelan que la experiencia es mayor cuando la participación es colectiva. La obra crece con la contribución del público.

Quizá, con estos ejercicios podamos acercarnos a entender conceptos como la felicidad, la tristeza, los deseos… un momento de auto-reflexión que ofrece el arte.

< Arte Abierto > invita a todo el público a participar en The Last Word del 14 de septiembre al 12 de octubre. La pieza se mantiene expuesta hasta el 9 de noviembre, 2019 en Artz Pedregal.

SUGGESTION BOX

Es una caja de cartón de (45CM X 45CM X 45CM), pintada de blanco con la palabra “SUGERENCIA” impresa en letras negras por los cuatro lados, hay una pequeña rendija, en la parte superior de la caja, por donde el público puede dejar una sugerencia.

La caja se transporta junto con portapapeles, papel y bolígrafos. Se le pide al público que haga sugerencias, cualquier idea o pensamiento, de cualquier tipo, sin limitación alguna o guía, solo la invitación de la caja para participar.

Una vez llena las caja con todas las sugerencias, éstas serán compiladas y muchas de ellas publicadas en las redes sociales de < Arte Abierto > como pensamientos anónimos.

Suggestion Box ha viajado a tres continentes, activado por individuos y grupos en sus comunidades locales, recolectando sugerencias de decenas de miles de personas, en numerosos idiomas. En 2005, Chronicle Books publicó una recopilación de sugerencias realizadas en la ciudad de Nueva York titulada Suggestion.

< Arte Abierto > activa Suggestion Box del 20 de septiembre al 12 de octubre en varios puntos de la CDMX.

WHAT COLOR ARE YOU?

Esta activación brinda a los participantes la oportunidad de verse y pensar qué color los representa esencialmente como persona. Plasmar en un papel quienes son y quienes somos. Sin importar de dónde vienen y a dónde van, el público definirá cómo quiere ser percibido por los demás, con un simple cuadrado de color.

Día con día la obra va creciendo en un mosaico repleto de diferentes tonalidades de color que representa a cientos de personas, todas ellas relacionadas por un espacio físico, de esta manera, tanto los participantes como los espectadores, podrán admirar la diversidad de las expresiones personales.

< Arte Abierto > invita al público en general a participar en la activación de What Color Are You? dell 5 de octubre al 9 de noviembre. La pieza se mantendrá expuesta hasta el 29 de noviembre, 2019 en Artz Pedregal.

MEASURE UP

Measure Up es una propuesta nueva comisionada por < Arte Abierto >. La intención de esta pieza nuevamente es activar la participación del público.

Varios marcos de madera tendrán los nombres de personajes relevantes en el ámbito de la cultura, la ciencia y la historia y a través de su altura corporal, el público podrá identificarse con ellos, creando un vínculo con individuos famosos, jugando con la idea de las medidas corporales como un punto de cercanía.

Measure Up se activa en Artz Pedregal el 12 de octubre al 30 de noviembre, 2019.

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SQUIDSOUP

17.07.2019 – 29.09.2019

Squidsoup es un grupo internacional de artistas, investigadores, tecnólogos y diseñadores con sede en el Reino Unido que trabaja con experiencias en medios digitales e interactivos. Su trabajo combina espacios digitales físicos y dinámicos con formas de interacción de manera novedosa e intuitiva para producir experiencias inmersivas, receptivas y cautivadoras.

Han expuesto por todo el mundo en distintos eventos y ubicaciones, incluyendo: Canary Wharf (2017, 2019), la Catedral de Salisbury (2015, 2018), Burning Man (2018), Royal Botanical Gardens at Kew (2015, 2016, 2018) , Sydney Opera House (2016), SIGGRAPH (USA 2001, 2010, 2016), Usina del Arte (Buenos Aires 2016), Wales Millenium Centre (2016), Adelaide Festival (Aus 2015), Visual Art Week (MEX 2015), Mapping Festival (CH 2013), TIFF (CA 2013), Sundance (EE. UU. 2011), Scopitone (FR 2011), Ars Electronica Festival and Museum (AU 2010), Glastonbury Music Festival (UK 2010), Kinetica Art Fair (UK 2010), ISEA (JP 2002 y NI 2009), y Late at TATE Britain (Reino Unido 2006, 2007).

El trabajo de Squidsoup se puede experimentar en línea en www.squidsoup.org y en espacios compartidos, instalaciones físicas y virtuales, en juegos y herramientas de software.

SUBMERGENCE

Esta instalación presentada por < Arte Abierto > del colectivo Squidsoup consiste en una experiencia inmersiva y dinámica de gran formato, compuesta de miles de puntos de luz suspendidos con el fin de crear sensaciones de presencia y movimiento dentro de un espacio físico.

Submergence transforma el espacio de < Arte Abierto > en un ambiente híbrido en donde los mundos virtual y físico coinciden. A medida que entras a la pieza, estás adentrando en un espacio ocupado por componentes tanto reales como virtuales, pudiendo experimentar con ambos.

La instalación se activa a través de varios movimientos, creando una pieza semi-linear de 12 minutos. En su totalidad se forma una narrativa abstracta la cual va aumentando tensión gradualmente hasta llegar a un clímax final. Cada movimiento tiene sus propios elementos, ambiente y capacidad de reacción. También abiertos a la propia interpretación.

Submergence (2016) es un desarrollo incrementado de Submergence original (2013).

Submergence se ha mostrado en más de 40 espacios y eventos en seis continentes incluyendo:

Submergence (2016) is an incremental development of the original Submergence (2013).

Submergence se ha mostrado en más de 40 espacios y eventos en seis continentes incluyendo:

Canary Wharf – 2019

Burning Man – 2018

Scottsdale Museum of Modern Art – 2017

Usina del Arte – 2016

SIGGRAPH – 2016

Adelaide Festival – 2015

Visual Art Week – 2015

Mapping Festival – 2013

Galleri ROM – 2013

Submergence es un proyecto de Squidsoup realizado por Anthony Rowe, Gaz Bushell, Liam Birtles, Ollie Bown, Chris Bennewith.

Submergence está abierta a todo público del 7 de julio al 29 de septiembre, 2019 en Artz Pedregal, planta baja.

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COCOLAB

30.11.2018 – 30.01.2019

Cocolab es un colectivo que busca crear experiencias que inspiren positivamente combinando creativamente arte, tecnología y entretenimiento.

Para el desarrollo de sus proyectos, integran diversos recursos: video, audio, tecnologías interactivas, efectos especiales, iluminación, escenografía, diseño industrial, contenido, programación y show control.

Colaboran con creadores, talentos y expertos de campos muy distintos, esto los enriquece de manera muy particular, teniendo como resultado desarrollar proyectos innovadores.

WHITE CANVAS

Es una experiencia inmersiva de luz y sonido que lleva a las personas en un viaje a través de los sentido, estimulando su imaginación para descubrir su potencial creativo.

Con una sofisticada programación de más de 300 luces y un diseño de audio envolvente con piezas musicales originales, White Canvas es una plataforma donde convergen el arte y la tecnología.

White Canvas se ha presentado en distintas ciudades y es una de las instalaciones originales más exitosas de Cocolab, inspirando positivamente a otras personas dentro y fuera de México para realizar proyectos y colaboraciones que exploren nuevos paradigmas de creación.

< Arte Abierto > abre al público esta instalación de Cocolab del 30 de noviembre, 2018 al 30 de enero, 2019 en la planta baja de Artz Pedregal.