septiembre 2021

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CARLA ALTESOR

De padre uruguayo y madre de ascendencia Yucateca, Carla Altesor nació en la Ciudad de México. A causa de esta mezcla de costumbres, creció amando desde asados, pastas frescas y Panuchos, hasta “comfort foods” americanos. Guiada por una familia donde todos fueron maestros de clases de cocina, y gracias a la fusión de sabores y culturas, su paladar y conocimiento culinario tuvieron oportunidad de ampliarse desde temprana edad. Carla es Licenciada en Artes Plásticas por la Universidad de las Américas Puebla.

Estando en Cholula, su inquietud la impulsó a abrir un club de comida donde cada semana se preparaban menús de degustación con ingredientes locales. Igualmente, asesoró aperturas de negocios de comida, y empezó a crear y servir pequeños eventos exclusivos.

En 2007 comienza a impartir cursos de cocina particulares y a la par, escribie reseñas de restaurantes para revistas como Saborearte, Sabor y Animal.

Retoma la creación de eventos boutique dentro de la ciudad de México y aún los ejecuta. En 2016 se unió a Sicomoro Ediciones para llevar a cabo el libro Alejandro Ruiz, Cocina de Oaxaca, donde su participación comienza con la investigación culinaria, y pasa por creación, desarrollo prueba, edición de recetas y textos.

Actualmente Carla vive en la Ciudad de México y continúa desarrollando recetas, escribiendo, diseñando y dando asesorías dentro del rubro culinario.

@caraltesor

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Este video forma parte de ARCHIVO ABIERTO, un proyecto de Atelier Romo y Arte Abierto.

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CRÉDITOS

EDICIÓN > Christian Rivera

MÚSICA > Máximo Hollander

DISEÑO DE PRODUCCIÓN > Sebastián Romo

WHITE CANVAS

Es una experiencia inmersiva de luz y sonido que lleva a las personas en un viaje a través de los sentido, estimulando su imaginación para descubrir su potencial creativo.

Con una sofisticada programación de más de 300 luces y un diseño de audio envolvente con piezas musicales originales, White Canvas es una plataforma donde convergen el arte y la tecnología.

White Canvas se ha presentado en distintas ciudades y es una de las instalaciones originales más exitosas de Cocolab, inspirando positivamente a otras personas dentro y fuera de México para realizar proyectos y colaboraciones que exploren nuevos paradigmas de creación.

< Arte Abierto > abre al público esta instalación de Cocolab del 30 de noviembre, 2018 al 30 de enero, 2019 en la planta baja de Artz Pedregal.

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EMMA JATZIRI

Emma Jatziri (1991) es una joven artista contemporánea mexicana egresada de la licenciatura de Artes Plásticas en la Facultad de Artes UABC, Ensenada. Es beneficiaria de programas como Jóvenes Creadores del FONCA y PECDA. Ha recibido varios premios entre los que se destaca la XXI Bienal de Baja California (2017). De manera colectiva resalta el Premio “Arte Abierto para todos” (2019), I Bienal de Difusión Cultural Biodiversidad de México (2019), Encuentro Nacional de Arte Joven (2018 y 2019), Salón ACME (2018) y Bienal UNAM (2016).

Emma Jatziri explora la creación de obra tridimensional en la cual es posible percibir en la escultura elementos del dibujo. El tejido de alambre es la solución técnica con la cual indaga sobre la capacidad plástica y visual del material, y sus posibilidades de construcción.

Su obra atraviesa el filtro de la experiencia personal, la realiza no a partir de transcripciones miméticas, sino a partir de la interpretación de un paisaje que redescubre reivindicando las peculiaridades de su entorno y de sus raíces culturales.

Emma Jatziri vive y trabaja en Ensenada, Baja California.

https://emmajatziri.blogspot.com/

@emmajatziri

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CRÉDITOS

EDICIÓN > Saulo Corona

MÚSICA > Máximo Hollander — ‘Singularity’ Jonny Easton (cc)

DISEÑO DE PRODUCCIÓN > Sebastián Romo

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MARCO MARGAIN

Esta cápsula está dedicada a todos los foodies.

Marco Margain es un chef mexicano que practica cocina de ‘liquidación’ refiriéndose al uso de ingredientes que se tiene y con ello crear un platillo delicioso.

Los dos proyectos más importantes de Marco son: su restaurante Broka en el corazón de la colonia Roma y Hacienda San Andrés de donde provienen gran parte de los ingredientes de su cocina, como los hongos silvestres, procedentes de sus cultivos orgánicos. La unión de estos proyectos está enfocado en el regreso al campo y al consumo sustentable. Tanto en la hacienda como en el restaurante se trabaja conforme a los procesos naturales de la tierra; aprovechando y consumiendo los productos de estación.

Marco nos explica la importancia de nutrir la tierra para que estos nutrientes se transmitan a las cosechas. Por ejemplo, los residuos orgánicos del restaurante se devuelven al rancho para hacer composta y alimento para ganado.

Este cocinero practica lo que algunos conocen como ‘agricultura con cultura’, pensando en una agricultura que nos ayuda a retomar una cultura de cultivo más acercada a la naturaleza y a los procesos de manera respetuosa con la tierra, el medio ambiente y el producto final. Un sistema agroalimentario sostenible y saludable que demuestra que hay alternativas en la producción de alimentos.

@brokabistrot

@haciendasanandres

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CRÉDITOS

EDICIÓN > Christian Rivera

MÚSICA > Máximo Hollander

DISEÑO DE PRODUCCIÓN > Sebastián Romo

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ANDRÉS SÁNCHEZ MAHER

Andrés Sánchez Maher (CDMX, 1974) Bajista / productor y compositor musical estudió la carrera de música y composición en el Centro de Investigación y Estudios de Música (CIEM). Fue miembro fundador de la agrupación Titán con quienes lanzó álbums como “Karate Mix” en 1995 y parte de la segunda producción «Elevator» el cual fue editado por Virgin en 1999. De 2011 a 2017 colaboró como bajista y tecladista del grupo mexicano Zoé.

Andrés Sánchez no conoce fronteras en la exploración musical y la colaboración, su participación en proyectos con gente como Jacobo Lieberman, Leo Heiblum y Alexis Ruiz con quienes fundó Exotic Ensemble.

Entre su trabajo también podemos encontrar producción y musicalización para cine, teatro, danza, radio y televisión como: ‘Erendida Ikikunari’ (2006), ‘La Abolicion de la Propiedad’ (2011), ‘Almacenados’ (2015), ‘Sabrás qué hacer conmigo’ (2015), ‘Mexican Gangster’ (2015, nominado a mejor música original Arieles 2016), ‘El Charro de Toluquilla’ (2016) documental en colaboración con Gus Reyes, ‘Sin Muertos No Hay Carnaval’ (2016) en colaboración con Leo Heiblum y Toño Cepeda, ‘Sueño en otro Idioma’ (2017) ganador del Ariel por Mejor Música Original, ‘El Chapo’ (2017-2018) serie TV en colaboración con Gus Reyes y Dudu Aram, ‘Falco’ (2018) serie TV en colaboración con Gus Reyes, ‘Torre X Torre’ (2018) documental también en colaboración con Gus Reyes, ‘Ayotzinapa, El Paso De La Tortuga’ (2018) documental en colaboración con Gus Reyes y Camila Uboldi, ‘El Complot Mongol’ (2018) en colaboración con Dan Zlotnik y Gus Reyes, por mencionar algunos proyectos.

También conocido como Sanchez Dub, tiene un estilo definitivo que fusiona ritmos electrónicos y programación digital con armonías de dub, delay y reverberación. Pionero en la escena musical mexicana, su síntesis de música africana, latina y caribeña con ritmos electrónicos abrió lo que fue una ruta inhóspita en México. Colaboraciones con Fake Fazz y Wako Texas le han permitido flexionar su destreza para la improvisación en vivo en el bajo, aportando un sabor único de Jazz y Funk.

La construcción de canciones y sonido orgánico de instrumentos traduce a Sanchez Dub en una emocionante banda en vivo, un claro ejemplo es su último sencillo “Humans”.

Andrés vive y trabaja en la CDMX.

@sanchezdub

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CRÉDITOS

EDICIÓN > Christian Rivera

MÚSICA > Máximo Hollander

DISEÑO DE PRODUCCIÓN > Arte Abierto

RENATA BECERRIL

Renata Becerril es maestra en Curaduría de Diseño Contemporáneo por Kingston University y el Design Museum en Londres. Es consultora, crítica y profesora de diseño.

Fundó y dirige CAPITALES, una galería itinerante y consultora de diseño.

Fue la directora fundadora del Abierto Mexicano de Diseño.

Entre las exposiciones que ha curado se encuentran: ‘About Change’ (diseño emergente Latinoamericano y del Caribe) para el Banco Mundial, la sección de México para la Bienal de Arquitectura de Londres 2008 en el RIBA.

Es asesora del Design Museum y trabajó en el Vitra Design Museum en Alemania.

@renatabecerril

@capitalesgallery

@abiertodediseno

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CREDITOS

REALIZACIÓN > Christian Rivera

MÚSICA > Máximo Hollander

DISEÑO DE PRODUCCIÓN > Sebastián Romo

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JUAN MORA CATLETT

Juan Mora Catlett (CDMX, 1949). Este director de cine, editor y guionista mexicano es una de las personalidades más destacadas en el cine mexicano contemporáneo. Su obra de difusión de la cultura indígena prehispánica es extraordinaria.

El maestro Juan Roberto Mora Catlett es uno de los académicos más reconocidos de la enseñanza cinematográfica en México. Desde 1976 ha ejercido como docente en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos, de la Universidad Nacional Autónoma de México, donde ha formado (e inspirado) decenas de generaciones de cineastas como María Novaro, Alejandro Islas, Alfonso Cuarón, Emmanuel Lubezki, Fernando Eimbcke y Ernesto Contreras, por mencionar algunos.

Mora Catlett ha recibido numerosos premios, nominaciones y distinciones a nivel nacional e internacional.

En 1972 recibe el Premio de la Crítica, Festival de Escuelas de Cine en Cracovia por ‘Poema mecánico’ y en 1985 recibe el Premio Colón de Oro por Mejor documental, en el IX Festival de Cine Iberoamericano de Huelva por ‘Recuerdos de Juan O’ Gorman’.

Su obra ‘Retorno a Aztlán’ fue acredora del Gran Premio Especial del Jurado en el VII Festival de Cine Latinoamericano de Trieste, Italia y es la primera película de ficción sobre el mundo prehispánico, hablada en náhuatl clásico, con la que inaugura un género inédito en el cine mexicano al basar su contenido y forma en la cultura de nuestros antepasados indígenas.

‘Eréndira Ikikunari’ trata de la conquista de México desde el punto de vista de los indígenas purépechas, que hablan en su propia lengua. Incorpora elementos de arqueología, códices prehispánicos y de la cultura popular indígena. Esta película fue acreedora al Premio a Mejor Director y Mejor Película en el Annual Hispanic Film Festival en el 2008.

En 2019 gana el premio a la Excelencia Docente que otorga la Asociación Internacional de Escuelas de Cine , CILECT (Centre International de Liaison des Ecoles de Cinéma et de Televisión).

Mora Catlett ha sido becario de la fundación John Guggenheim y del Sistema Nacional de Creadores de Arte de México, además de haber sido reconocido con el Premio Universidad Nacional en Docencia en Artes.

Su último largometraje ‘La ira o el seol’, aborda su experiencia como sobreviviente de cáncer, combinando ficción y documental.

Juan Mora vive y trabaja en México.

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EDICIÓN > Christian Rivera

MÚSICA > Máximo Hollander

DISEÑO DE PRODUCCIÓN > Sebastián Romo

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JULIA CARRILLO

Julia Carrillo estudió matemáticas y artes visuales en la UNAM. A finales del 2019 estuvo en la MMCA Residency International Artist Fellowship Program del National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA/ Corea) y este año fue aceptada en la residencia Art OMI de Nueva York.

Julia ha obtenido diversos apoyos y becas como Jóvenes Creadores de FONCA, Programa de Apoyo a la producción y Investigación en Arte y Medios (PAPIAM)-Cenart) y Arte Ciencia y Tecnologías (ACT-FONCA).

Ha participado también en exposiciones individuales y colectivas, nacionales e internacionales. Obras suyas se encuentran en colecciones del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO) y en Universum Museo de las Ciencias, UNAM.

www.juliacarrillo.mx

@juliacarrilloescalera

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CRÉDITOS

REALIZACIÓN > @imazrodrigo y @jm_romo

MÚSICA > Máximo Hollander

PRODUCCIÓN > @hojarasca_org

https://www.hojarasca.org/

Aparecen obras en colaboración con @adrawingsurface y @diegoespinosa

Gracias al apoyo de @ariana.landaburo @elmatasa y @santiagoecharricotler

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@apickgallery @patriciaconde @cnart @​mmcakorea @​marco @periferia___@local21arte

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ENRIQUE MINJARES

Enrique Minjares Padilla (Ensenada, B.C.,1977) es un artista visual egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM.

Su obra explora distintas posibilidades de producción y percepción del medio pictórico utilizando el dibujo, la pintura (el juego que puede existir entre estos dos) e intervención como medios de expresión. Busca que el espectador se identifique de manera subjetiva con sus piezas para que se apropie de ellas y la integre a su historia personal.

Su cuerpo de trabajo consiste en una serie de investigaciones en torno a la imagen como medio de representación y concepto, desarticulándola, para volver a construirla desde un replanteamiento de los aspectos formales de la pintura.

Mediante ilustraciones a las tragedias provocadas por el desorden retrógrada de la conciencia humana, cruza los límites entre la ficción, la realidad y el relato mediático de la historia contemporánea.

A partir de temas y series que aluden a la sociedad actual, el artista se vuelca en un proceso de trabajo visceral y comprometido consigo mismo, lejos de presunciones conceptuales o tendencias.

Su obra ha sido expuesta en instituciones públicas y privadas, en México y en el extranjero.

Enrique vive y trabaja en la Ciudad de México.

https://www.enriqueminjarespadilla.com/

@enriqueminjarespadilla

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EDICIÓN > Christian Rivera

MÚSICA > Máximo Hollander

DISEÑO DE PRODUCCIÓN > Arte Abierto

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RODRIGO SUÁREZ

Rodrigo Suárez (CDMX, 1979) estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. Ha participado en distintos seminarios y cursos como ‘Prácticas Fronterizas’ en Centro Cultural Border, ‘Semillero Caribe’ en Cráter Invertido, ‘Ciudadanía y Espacio Público en Tiempos del Horror’ en el Museo Memoria y Tolerancia por mencional algunos.

En el 2004 recibió el premio del Rector de la Universidad María Sklodowska Curie, en la ciudad de Lublin en la VII Trienal Internacional de Arte, Majdanek, Polonia y el Premio Nacional de la Juventud 2003 en el Área de Actividades Artísticas, en la CDMX.

De 2009 – 2010 fue becario del programa de Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA).

Ha trabajado para la Fundación Jumex y Fundación Casa Proal en la producción de obras de distintos artistas como Jean-Luc Moulène, Jim Lambie, Sol LeWitt entre otros. En 2018 presentó sus fotografías en Zona MACO foto 2018 en la galería Troconi-Letayf y en el 2019 la muestra individual ‘Yergue’ en Radio 28.

Su trabajo gráfico simula el devenir del ser humano buscando en su interioridad espacios de protección a través de la lucha contra el deseo de auto aniquilación como consecuencia de la soledad que en ocasiones éste llega a sentir.

La obra de Suárez ha sido presentada individual y de manera colectiva a nivel internacional en países como Bolivia, México, España, Polonia, Suiza, Holanda, entre otros.

A lo largo de su trayectoria, se ha dicho que los fotogramas de este artista podrían haber salido de cualquier filme del cineasta canadiense David Cronenberg.

Hoy en día Rodrigo vive y trabaja en la Ciudad de México.

@sustratos

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EDICIÓN > Christian Rivera

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TANYA MELÉNDEZ-ESCALANTE

Tanya Meléndez-Escalante actualmente es la curadora en jefe de Educación y Programas Públicos en el Museo del Instituto Tecnológico de la Moda (FIT), donde ha organizado más de 100 programas públicos. Ha trabajado para el British Council México como asesora cultural y en el Museo Nacional de Diseño Cooper Hewitt. Fue becaria Fulbright-García Robles (2002-2004) y del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (2002). En 2000, recibió el premio Miguel Covarrubias (Tesis de Licenciatura en Museología) del Instituto Nacional de Antropología e Historia. Estudió la maestría en museología para moda y textiles en el Instituto Tecnológico de la Moda (FIT-Nueva York) y la licenciatura en Humanidades en la Universidad de las Américas – Puebla.

Tanya nos habla de la complejidad de la disciplina de la moda, por lo que se debe estudiar desde diferentes perspectivas debido a las implicaciones culturales, sociales, políticas que representa lo que nos ponemos y lo que se ponen los demás. Para Tanya la moda es una forma de expresar nuestra individualidad o nuestra pertenencia a un colectivo. Ve cómo la naturaleza performática de la ropa convierte la moda en un campo fértil para la exploración artística.

‘Cross-Pollination’ es un taller anual creado por Tanya Meléndez. Estos talleres ofrecen a los estudiantes un espacio de diálogo intercultural entre instituciones educativas internacionales y el FIT donde los estudiantes tienen la oportunidad de trabajar en proyectos basados en la moda inspirados en exhibiciones de MFIT. En el 2012 Tanya Meléndez-Escalante (FIT), Sebastián Romo (Atelier Romo) y la Sala de Arte Público Siqueiros (SAPS) colaboraron en el proyecto educativo ‘Cross-Pollination: Masterpieces of the Collections’.

Meléndez-Escalante ha trabajado durante los últimos quince años en organizaciones artísticas, donde ha liderado y gestionado proyectos destinados a mostrar y promover la moda, las artes visuales y las artes escénicas, tanto en México como en Estados Unidos. Hoy en día vive y trabaja en la ciudad de Nueva York.

http://www.fitnyc.edu/museum/education/

@tanya.melendez.fashion

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